Ноэмы

В современном искусстве давно сложилась своеобразная  иерархия: верхние её ступени занимают кураторы и критики, которые определяют “генеральную линию” развития, решают, что достойно и что не достойно экспонирования в музее или на выставке, за что стоит и за что не стоит платить. Далее идут художники, значительная часть которых занята самоинтерпретацией; о зрителях же мало кто думает. В результате, пытаясь отыскать неведомые смыслы, зритель постепенно теряет способность к эмоциональному переживанию искусства. Между тем искусство прекрасно именно потому, что в нём не может быть единственно правильной формы выражения.
За играми в современное искусство почти забыли о том, что только художественный образ в его пластическом воплощении и есть главный носитель смысла. Пластическое воплощение может и должно быть разнообразным – именно эту простую идею и стремятся донести до зрителя создатели галереи VS unio. Термин НОЭМА, вынесенный в название первой выставки в новом пространстве галереи, заимствован из словаря философии. НОЭМА есть предмет, представленный определённым образом. В применении к живописи – предмет, каким он дан в переживании художника.
Каждый предмет со своими конкретными свойствами (яблоко, здание, фигура человека) меняется в зависимости от того, как эти свойства переживаются художником. Кто-то живо воспринимает реальный материальный мир (Оскар Рабин, Константин Лупанов, Евгений Кравцов). У Сергея Брюханова НОЭМА представляет мир сущностей, выраженный в цвете: именно цвет есть квинтэссенция его авторского переживания. В живописи Евгения Зарембы абстракция предстает более предметной, вызывая у зрителя самые разнообразные ассоциации.
Есть художники, которые, по удачному выражению одного из современников, «выясняют свои личные отношения с культурой»[1] – будь то великая традиция европейской живописи (Юрий Герман), эстетика русского конструктивизма (Владимир Андреенков) или лирическая абстракция Василия Кандинского (Артур Ян).
НОЭМЫ столь непохожих на первый взгляд художников, оказавшись в одном галерейном пространстве, невольно обнаруживают взаимосвязи, пересечения, рифмы. Прямое выражение эмоции через импровизационность исполнения объединяет Константина Лупанова и Оскара Рабина.  Парадоксальная организация визуального пространства, отличающая НОЭМУ Юрия Германа, предстаёт сродни игре предметного / беспредметного у Александра Герасимова.
Неожиданным поначалу кажется присутствие на выставке Александра Виноградова, которого привыкли воспринимать в тандеме с Владимиром Дубосарским. Впрочем, сам художник прекрасно осознавал, что занимается “производством” картин, остроумно уподобив собственную живописную продукцию «свечному заводику». Как оказалось, будучи “отделённым” от Дубосарского, Виноградов умеет быть чистым живописцем.Каким бы ни был предмет НОЭМЫ, данный в переживании столь разных художников, главная тема их творчества есть сама живопись – цвет, форма, ритм. Своеобразная система координат, заданная в концепции выставки, выстраивается от Камиля Писсарро, одного из создателей “классического импрессионизма”, до Василия Кандинского, в творчестве которого происходит переход реальности в пластическую абстракцию, пронизанную идеей предмета. 
УЧАСТНИКИ ВЫСТАВКИ
Владимир Андреенков (род. 1930). Большинство работ Андреенкова связано с эстетикой конструктивизма: идеи русского авангарда до сих пор служат для него источником творческой свободы. “Геометрическим” работам художника свойственны особая упругая пластика, ритм, часто определяемый диагональю, плотность цвета.
Константин Лупанов (род. 1977) называет свое искусство «весёлой безответственной мазней». Нервная пластика подчёркнуто экспрессивной живописи парадоксальным образом соединена в его картинах с ироничной интонацией, которая окрашивает отношение художника к объекту изображения.
Сергей Брюханов (род. 1959). По словам самого художника, ему интересен «момент перехода красочной материи как физической субстанции в состояние художественного образа». «Мерцающая вибрация чистого цвета» в его живописи «отсылает нас к состоянию полного душевного спокойствия и гармонии».
Александр Виноградов (род. 1963). С 1994 года выступал в тандеме с Владимиром Дубосарским. Проект “Виноградов-Дубосарский”, по мнению критика В. Мизиано, был едва ли не самым актуальным в контексте российской художественной жизни 1990-х годов. Отказавшись от “искусства без качества”, Виноградов сегодня возвращается к работе с цветом и формой.
Александр Герасимов (род. 1955). Работы художника отличает строгость композиции и уверенная конструкция рисунка. Гладкая живописная поверхность соседствует в его картинах с подчёркнутой фактурностью.
Юрий Герман – псевдоним художников Юрия Бакрушева (род. 1962) и Сергея Герасимова (род. 1964). Сергей Герасимов является не только художником, но и известным реставратором, воспитавшим глаз на картинах старых мастеров. Именно игра с классической живописной традицией определяет организацию живописного пространства в работах творческого тандема.
Евгений Заремба (род. 1968). По словам художника, приступая к работе, он не знает, что получится в итоге – «уже в процессе приходит цветовое ощущение, вырисовываются определенные знаки и символы». Конкретных образов в картинах, как правило, нет: иногда образ едва намечен и вписан в систему символов, способных вызвать у зрителя самые разнообразные ассоциации.
Михаил Кабан-Петров (род. 1966). По собственному признанию, художник пишет не предметы реального быта, а вещи-в-себе, явления, суть которых возможно понять через созерцание. В его живописи одной из центральных тем выступает красный цвет – вибрирующий, мощный и динамичный.
Евгений Кравцов (род. 1965) сосредоточен на графичности, фактурности предмета. Излюбленным жанром художника является натюрморт, в котором он кропотливо прорабатывает фактуру, форму и объём предметов.
Оскар Рабин (род. 1928). По утверждению Владимира Немухина, в 1960-е годы Рабин был «наиболее программным и концептуальным из всех мастеров андеграунда». Однако концептуальность неизменно соединяется в его работах с высочайшей живописной культурой. По словам французского историка искусства Н. Ламот, творчество художника «несёт в себе не только мощный эмоциональный заряд, но и чувственно яркую остроту восприятия», которая приобрела новые обертоны в годы эмиграции.
Михаил Шемякин (род. 1943). Для работ Михаила Шемякина характерно обращение к гротеску, фантасмагории, маскараду.  Ему близка культура карнавала, сочетание игры, смеха и абсолютной серьезности. Художник ярко проявил себя не только в  живописи, но и  графике, скульптуре, театрально-декорационном искусстве. Трудно дать однозначную характеристику его творчеству. Как подметил поэт Константин Кузьминский: «О нём нельзя говорить объективно...»
Артур Ян (род. 1955).  Один из тех мастеров, которые постоянно меняют направление своих художественных поисков. Его живопись отличается изысканной декоративностью и лёгким обаянием “французскости”.

Также на выставке представлены картины классиков искусства XIX-XX вв.
Василий Кандинский (1866-1944). На протяжении своей долгой жизни Кандинский был гражданином трёх стран: родился он в России, затем переехал в Германию, в конце жизненного пути перебрался во Францию. Основоположник абстракционизма, Кандинский – одна из ключевых фигур живописи XX столетия.
Камиль Писсарро (1830-1903). Писсарро был старше других художников-импрессионистов; вдохновившись живописными поисками Клода Моне, он также поспособствовал формированию импрессионизма. Творчество Писсаро повлияло на великих Сезанна и Сёра, хотя впоследствии художник и сам испытал на себе их воздействие.
Хаим Сутин (1893-1943). Один из наиболее ярких экспрессионистов в европейской живописи, Хаим Сутин родился в Российской империи, но представляет интернациональную Парижскую школу. Сутин не стал героем легенд, как Амедео Модильяни, который был его ближайшим другом, не стремился произвести революцию в искусстве; тем не менее, работал художник настолько самобытно, что без его наследия невозможно представить себе живопись XX века.

Фотогалерея